中国帝王瓷器审美研究现状

1、中国帝王瓷器审美研究现状，心目中瓷器称得上国宝是傻样的？

若有高人讲是:一眼假！。俺要跟他学习了，当徒弟。

2、为什么说宋代瓷器是中国古代瓷器艺术最高峰？

答:宋朝是中国科技、文学和艺术高度发达的时期，陶瓷业蓬勃发展，瓷窑遍布全国各地，地方风格浓郁。宋瓷的美学风格，近于沉静素雅，钧瓷虽灿如晚霞，但也不像唐三彩的热烈华丽。宋瓷所创造的新的美学境界，不仅重视釉色之美，而且更追求釉色质地之美，南方生产的瓷器还从沿海源源不断地运往海外，北宋时期制瓷业传造了一个匣钵内放置数件瓷器同时烧制的技术，质量上乘在我国制瓷业发展史上达到一个新的水平。

3、为什么西方的古代雕塑除了那些光屁股的以外几乎都是中国人脸庞？

一句"那些光屁股的"，你倒利索，我要多回答一大段。问题有点复杂，涉及三个文明古国人文、艺术、人种等多个领域的交流。

"光屁股"和"穿衣服"是两类雕塑；"中国人脸庞"是要解决的话题。出家人不打诳语，好小编不说假话，我尽量回答全面。

社会催生文明，艺术打先锋。这玩意从生活中抽离出，融合社会现实和感性文化。西方艺术源于古希腊，古希腊艺术关乎宗教，首先就是那些光屁股的雕塑。

古希腊宗教多了世俗化的民主色彩，有着更多世俗包容和思想自由，特点是"人神共性"。诸神和众人拥有一样的外形，相似的性情，神只是人类的完美体现，理想化产物。让众神回归众人，这种宗教套路大家懂。

现在两个大问题来了……

①人神模样看起来没区别，神只是被赋予驻颜、健美、力量、智慧等神性。

②早期西方写实艺术严肃理性(宗教原因)，不像东方艺术善于展现丰富各异的表情和神韵。大家拿着铁饼男的雕塑去对照，很多西方雕塑表情都和他差不多。

不像油画可借助背景展现诸神，那么，西方雕塑如何体现神性呢？

只有一个办法，把神脱光了，借助雕塑的质感，来展现诸神与众不同的完美线条和力量；再借助光影变化，从而展现神性的光辉。

某种角度，西方艺术是一种空间艺术。荷兰三大巨匠之二，伦勃朗和维米尔都是运用光影的大师，伦勃朗主题之一就是宗教。

假如雕塑着衣，不但人神分不出来，神和神也很难辨别，因为它们表情差不多。

先明确，古希腊是西方文明的摇篮，西方建筑、雕塑、油画艺术源于古希腊，古罗马和希腊有着广泛的商贸和文化交流。古希腊文明偷师古埃及，雕塑是典型案例。

①古埃及元素

古埃及地处北非，那里杂居着黑种人和白种人，很多古埃及人都是黑白混血人种。

问题是，这些混血古埃及人五官很像东方人，尤其是五官立体的黄种人，以至于一度传言古埃及人就是华夏民族的一个分支。大家可参考下古埃及法老的雕塑。

当然古埃及人并不是华夏人种，判断人种的依据是头骨，而非皮肤。古埃及人和中国人的头骨并不同。

古希腊早期直接照抄古埃及雕塑，直接导致两个影响出现:

其一，表情刻画单一(后来古希腊才加入了机械化的尬笑)。

其二，面孔的影响，因为雕塑表达直白，太倚重技法，无法藏拙，无法糊弄。

西方又偷师古希腊，所以西方很多雕塑有古埃及人特点，看起来也就像东方人。

为什么"光屁股的雕塑除外"？

很多光屁股的雕塑都是希腊神，他们有着丰富和独特的古希腊文化和传说，形象更具体化和本土化。其他雕塑形象就难说了。

②古中国元素

张骞离家出走后，西汉开始了对西域和西亚商贸活动。丝绸之路从长安出发，经河西走廊一路向西，转运到中亚、西亚和古欧洲地区。中外商贸本身也是文化交流。

古代欧洲经由波斯和阿拉伯世界进入远东地区。上述地区与中原往来已久，欧洲有机会了解中原商品、中国人和华夏文化。

古波斯地处中西之间，强大的波斯对外战争、商贸和交流都很复杂，其中就有希腊。

华夏、波斯、希腊、欧洲，无论直接或间接途径，欧洲人都有很多机会接触中原文化。唐伯虎《送子观音图》与意大利《圣母像》如出一辙，这就是古代艺术"交流"的例子。

瑞典著名的雕塑大师卡尔•米勒斯(生于1875年，罗丹的助手)，曾迷恋中国传统雕塑，并收藏大量中国雕塑艺术品。米勒斯的雕塑号称"西方古典雕塑中的东方幻想"。

西方雕塑有着东方元素并不稀奇。早期艺术也是历史人文记录，汉唐绘画中也有很多异域风情，莫高窟壁画上也有印度面孔。

左为唐伯虎作品，右为意大利圣母像。注意手的姿势，尤其是剪刀手细节

为什么东方面孔的雕塑穿着衣服？

中国传统雕塑注重表达"神韵"，并非孤立、刻意地突出实体，常用"虚拟"手法，模糊形体，强调细节，呈现出含蓄的意境美，或优雅或力量。除了表情和姿势，这种风格也要求道具辅助，如衣饰。无论古埃及或古中国，艺术表达都不像欧洲那么直接和原始。

风格跨度不是问题，古中国也有写实和意境兼具的顶级雕塑艺术☞秦始皇兵马俑。秦朝工匠已经造诣非凡，古欧洲与中原文化交流中有着大量学习机会，并不奇怪。

不比油画，雕塑无法充分借助色彩、空间和背景，雕塑表达更直白单调，更依赖技法本身，对理性东西要求更高，创作更严谨。

古希腊照搬古埃及雕塑艺术，包括面孔和五官表情，西方有样学样。就像书法临帖，新手临哪家像哪家，之后才能创新。就算你是高手，也能看出当时临的是怀素还是张旭。

西方雕塑中的东方脸，首先当来自古埃及。黑白混血的古埃及人，五官接近东方，古欧洲也有很多机会接触中原文化。三大文明古国影响下，西方雕塑自然少不了东方脸。文化本有多元性，何况最感性的艺术？

小编不是雕塑玩家，能扯这么多不容易，不周之处请砍正，有道理还请支持下。下次写"那些光屁股的"油画，小编更懂这个。

4、明代瓷器与宋代瓷器的区别？

明代是在前朝的基础上发展而来的，由于宋代的瓷器发展特别好，后来大量的仿宋，明宣德就命令景德镇仿制宋代五大名窑的哥窑和汝窑瓷器，存世的有大明宣德年制的仿宋汝窑盘，后来的成化皇帝也再次仿宋，品类更为丰富。到了明代中晚期，市场的需要，大量民窑也仿宋，官民争市。

具体的区别还是很多的，今天我们从这几个方面来探讨一下，

1、从器物的造型上区别

宋代造型多简朴，以仿青铜器造型为主，并多小件，但在器物的边角、口沿、底足很讲究修饰。如汝、官、哥、定、钧的器物都修整得很规范。

（宋代哥窑八方碗）

（宋代汝窑盘）

明代永乐的器型古朴秀美，丰满，浑厚，古朴，器型线条柔和，圆润，给人以质朴，庄重之感。

特别是压手杯、盘、碗等都制作得比较精细。 宣德器物的造型丰富，制作精致、成化器型小巧轻盈、制工精良、使仿者望尘莫及。弘治、正德器型端庄秀逸。嘉靖、万历以后的器形，厚重古朴与轻盈华丽兼而有之，但制作比较粗糙。康熙年代就特别流行仿以仿明永乐、宣德、成化器物较多。

（明代的碗）

2、从底足上看出差别

宋代器物底足制作精细规整，有裹足支烧，通体施釉，也有不施釉的，只刷一层护胎釉水。官窑器露胎处呈现深灰或灰褐色，俗称"铁足"。支钉横断面为灰褐色。汝器支钉横断面为粉白色。

（紫口铁足）

明代永乐、宣德大盘为砂底，质地细腻光滑温润，呈现火石红。永乐盘砂底一般色白而细，砂底上有小块铁色斑，细腻光滑，抚摸时有糯米粉之润滑感。 宣德器底部为白胎色而有火石红，有一层浅红色的涂抹料，均无旋痕。凡带旋痕的多为清仿产品。器足形状有直圈足，内敛圈足，卧足，台阶式圈足，外倾内斜削式圈足，直切圈足、璧形足、平削圈足、深圈足、浅圈足、刮削平足、平底实足、高圈足等。

（明永乐盘沙底）

3、从瓷釉上看出差别，五彩，斗彩以及各色彩釉逐渐发展和流行起来。

瓷釉是瓷器的外表，不同朝代各个窑口烧制瓷器的釉色、硬度、密度、润度、厚薄、有无气泡和橘皮纹等是不同的。观察古瓷的釉质，一般要注意其釉质的粗细、光泽的新旧和气泡大小疏密等特征。如旧瓷有"莹光"或"酥光"一类的光泽，这种深厚温润的釉光是由于年深日久而自然形成的，又称"蛤蜊光"。

（瓷器左侧有明显哈喇光）

永乐白釉器的口、底、边角与釉薄处多闪白和闪黄色，釉厚处则闪浅淡的豆青色，并且琢器的表里釉多均匀一致。因此需要进一步观察釉中所含气泡的大小疏密。如官、哥窑釉泡之密似攒珠，汝窑釉泡疏若晨星，以及宣德釉面有"棕眼"等。这些都是不易仿制的特征，可作为划分时代的线索。

4、瓷器纹饰

宋代装饰方法有印花、画花、刻花、剔花、贴花、镂花等，图案以花鸟虫鱼等为主，造型，色彩，纹样追求完整、意境、气韵。龙、凤、鹿、鹤、游鱼、花鸟、婴戏、山水景色等常作为主体纹饰而突现在各类器形的显著部位，而回纹、卷枝卷叶纹、云头纹、钱纹、莲瓣纹等多用作边饰间饰，用以辅助主题纹饰。工匠们用刻、划、剔、画和雕塑等不同技法，在器物上把纹样的神情意态与胎体的方圆长短巧妙结合起来，形成审美与实用的统一整体，令人爱不释手。

（北宋 磁州窑黑剔花缠枝花纹矮梅瓶）

（北宋 耀州窑青釉刻花执壶带温碗）

明代瓷器纹饰装饰主要以绘画为主，也有刻花、划花、印花、镂雕等方法。从绘画风格上看，无论人物、花鸟、飞禽走兽都极为生动豪放、富于画意，线条舒展流畅;加之釉色纯朴浑厚、丰富多彩，就更增加了画面的美感。

（明代瓷器纹饰）

5、瓷器款识

宋窑款识大多与官窑有关，越窑是以刻花的纪年为主，比如“元丰三年”，有的以一个字为主，比如“供”，“官”，定窑也有“官”，还有以宫廷建筑落款的“风华”，“慈福”等，汝窑也是，有的还以姓氏落款，比如“蔡”，“甲”“乙“”丙“”丁”这样的，均窑落款少，以数字落款的，磁州窑就会以谁家造的落款谁，比如“张家记”，“李家造”。

明代瓷器款识一般以书写，极少有刻印的。前人总结的明代瓷器款识规律是：永乐款少，宣德款多，成化款肥，弘治款秀，正德款恭，嘉靖款杂。明代瓷器各代款识千差万别，凭款识特点来断代和辨伪也就相当重要。体会各代款识的不同风格，首先可以从研究笔法入手，然后将真假实物款识，相互比照，结合实物，反复审度其字体的结构、排列的形式、落款的部位，以及款字色泽的深浅浓淡等。

哇，这一聊起来就很多很多了，得慢慢的一个一个年代的先理清楚，然后多看多学习多对比了，实在是太多了，今天整理了这些，希望这点小知识能帮到大家。

5、开启了瓷绘文人书画的浅绛彩瓷器？

感谢您的问题邀请

开启了瓷绘文人书画的浅绛彩瓷器，为何后来却失了文人画神韵?“浅绛”本是中国山水画的术语，指在水墨勾勒皴染的基础上以淡赭、花青、藤黄等冷色彩渲染而成的山水画。国画中的“绛”即赭红色，又染以浅色，故名“浅绛”。

陶瓷界所说的“浅绛”或“浅绛彩”，是借用中国画的术语，指晚清至民国初年流行的一种彩绘瓷器。它以一种浓淡相间的黑色釉上彩料在白瓷胎上绘画纹饰后，再染上浅淡的赭石与极少的水绿、草绿、淡蓝等色彩，经低温烧制而成，画面彩料甚薄，色调清淡柔和，艺术风格与纸绢上的浅绛山水画大致相近。不过，浅绛彩瓷画的题材已不再局限于山水，还能表现人物、花鸟、禽兽等等。

文人画是中国绘画史上的一个专称，在创作上强调个性表现与诗、书、画等多种艺术的相融，作者一般为具有深厚文化素养的文人士大夫。文人画的题材有山水、花鸟、古木、竹石等，表现手法以水墨或浅淡色彩写意为多。代表画家有唐代王维、元代倪云林、明代董其昌、清代八大山人、吴昌硕等，他们的画作充满诗情画意，追求诗中有画，画中有诗。

在瓷画上题诗、署款、钤印，这在中国陶瓷史上是一大创举，浅绛彩瓷器为我们开启了一个瓷绘文人书画，诗的意境。但对比前后瓷画，一个明显视觉感受就是，前期的浅绛彩瓷绘者一般都比较用心，无论水平高低，至少在瓷绘工口上做到了功夫不减，绝大多数的彩料，也都厚薄有度，浓淡相宜，文人瓷画的笔墨浓郁。而到了后期衰颓阶段，那种高突、浓烈的彩料普遍的变薄、变平，原先较为强烈的层次、错落，不再清晰，除极小部分还保持着文人瓷画的神韵或够格的艺术表现力，绝大多数的浅绛彩瓷器审美变得庸俗化，这就跟文人画的精神越来越远。